Это может быть интересно
факты о художниках и их картинах
Аллея парка: история одной картины. Исаак Бродский
1. Аллея парка
1930
Холст, масло. Размер: 125×108 см.
Государственная Третьяковская галерея, Москва
(соцреализм)
2. Аллея парка в Риме 1911 Холст, масло
Картина имеет интересную историю. В старинной парковой аллее ученик Репина — Исаак Бродский изобразил женщин и детей, одетых по советской моде. Особенностям сцены соответствует авторская дата на полотне — 1930 год.
Картина очень динамична: кажется, что она вот-вот оживёт. Зрителю так и хочется попасть внутрь пейзажа и пробежаться по тенистой аллее.
На первый взгляд ничем не примечательная работа: картин на «парковую» тематику у Бродского было много. Однако чем дальше в парк — тем больше красочных слоев.
Сотрудница Третьяковской галереи И.А.Пронина обратила внимание, что композиция картины подозрительно напоминала другую работу художника — «Аллею парка в Риме» 1911 года. (Бродский был скуп на оригинальные названия). Это полотно долгое время считалось утерянным, а его репродукция была опубликована лишь в довольно редком издании 1929 года. С помощью рентгенограммы исчезнувшая мистическим образом римская аллея была найдена — прямо под советской. Художник не стал счищать уже готовое изображение и просто внес в него ряд нехитрых изменений. Так солнечный итальянский парк парой легких движений руки превратился в образцовый советский.
На рентгеновском снимке видны исправления, которые художник внес в композицию картины 1911 года, в целом не изменив ее. Он записал беломраморные статуи, стоящие по обочинам дорожек. На заднем плане «выстроил» павильон. Сидящую под деревом женщину заменил стоящей. Детей в центре, играющих в серсо, лишил обруча и усадил на корточки. И всех переодел согласно времени. Римская аллея сохранила прежнее великолепие, но превратилась в советский парк, и вместо прежней даты — «1911» художник поставил новую — «1930».
На вопрос, почему Бродский решил спрятать свою римскую аллею, исследовали ответа не нашли. Но можно предположить, что изображение «скромного обаяния буржуазии» в 1930 году с идеологической точки зрения было уже неуместным. Тем не менее из всех постреволюционных пейзажных работ Бродского «Аллея парка» наиболее интересна: несмотря на изменения, картина сохранила очаровательное изящество модерна, которого в советском реализме уже, увы, не было.
Художник Рубенс Сантаро (1859-1941), прославившийся сериями жанровых видов венецианских каналов, родился вовсе не в Венеции, а на юге Италии, в местечке Монтеграссано, в семье скульптора, живописца и литографа Джованни Баттиста Сантаро, который решил назвать своего сына в честь великого Питера Пауля Рубенса (1577-1640).
В 1869 году семья Сантаро перебралась в Неаполь, где Рубенс долгое время разрывался между желаниями стать писателем или живописцем. В конце концов живопись взяла верх и при поддержке известных итальянских художников Доменико Морелли и Помпео Марино Мольменти, Рубенс Сантаро сумел поступить в Неаполитанскую Академию изящных искусств.
В начале творческого пути Рубенс писал жанровые и уличные сцены, но затем все больше обращал свое внимание на топографические подробности. Вскоре молодого художника заметили, начали приглашать на выставки в Турине, Неаполе и Венеции.
В конце девятнадцатого века художник осуществил большое путешествие по Европе, посетил крупные Европейские столицы, некоторое время жил и работал в Париже, и в Лондоне. Он активно сотрудничал с Обществом продвижения изящных искусств в Неаполе, участвуя в его выставках, а так же был удостоен почетного звания профессора Академии изящных искусств.
Работы Рубенса Сантаро выставляются в Санкт-Петербурге, Париже, Чикаго, Буэнос-Айресе, Барселоне и других городах мира.
«Вид с острова Джудекка на собор Санта-Мария-делла-Салюте. Венеция».
Свободная копия картины Рубенса Санторо. Масло на холсте.
Копия картины написана художником вручную БЕЗ использования печати на холсте с последующей доработкой фактурным гелем или маслом.
Работа в наличии, доступлна для приобретения.
Примеры написанных картин можно посмотреть тут
Среди картин, изменивших ход истории мирового искусства, есть одна с говорящим именем
«Талисман».
23-летний Поль Серюзье написал ее в октябре 1888 года «под руководством Гогена» в бретонском городке Понт-Авен. Другое название работы – «Пейзаж c Лесом любви», рощей из буков и кипарисов у реки недалеко от Понт-Авена.
Именно там с 1886 года Поль Гоген и Эмиль Бернар искали новую манеру в живописи. Простые формы, противопоставление чистых цветов и темные контуры – художники стремились порвать с иллюзорным изображением реальности, предпочитая ей «эквивалент цвета».
«“Каким вы видите дерево? – спросил Гоген. – Действительно ли оно зеленое? Если так, то используйте самый красивый зеленый в вашей палитре. Тень выглядит синей? Не бойтесь написать ее настолько синей, насколько это возможно”»
Идеи Гогена и Бернара собрали вокруг художников молодых живописцев, среди которых был и Поль Серюзье. Позже работы понт-авенского периода группы назовут «синтетическими» и отнесут к «Школе Понт-Авена».
«Мой совет: не копируйте природу буквально. Искусство – это абстракция. Отыщите ее, мечтая на природе, и сконцентрируйтесь на том, что вы создаете, а не на результате», – Поль Гоген в письме Эмилю Шуффенекеру, 14 августа 1888 г.
Поль Серюзье привез из Понт-Авена в Париж написанное им небольших размеров полотно «Пейзаж c Лесом любви». Эту картину он показал другим студентам Академии Жюльена, в которой учился.
Новаторский «синтетический» подход настолько поразил молодых художников, что пейзаж Серюзье превратился в их «талисман», а они сами – в группу «Наби», «пророков» нового стиля.
Среди первых членов новой группы – Поль Серюзье, Морис Дени, Пьер Боннар, Поль Рансон, Рене Пиот и Анри-Габриэль Ибель. Ужины, на которых они собирались, быстро превращались в ритуальные действа. И всякий раз каждый из живописцев должен был представить свою новую работу, «исполненную настолько оригинально, насколько это возможно».
А.С. Кончаловский посвятил своему знаменитому деду-художнику и описанию жизни в его доме целую главу в своей книге
«Низкие истины. Возвышенный обман».
Хочется привести оттуда один отрывок
«К занятиям внуков и детей в доме относились несерьезно. Серьезным считалось только занятие деда. Нам запрещалось рисовать. Точно так же рисовать запрещалось маме и дяде Мише, когда они были маленькие. Дети часто копируют взрослых, дети художников становятся художниками просто из подражания, ни таланта, ни призвания не имея. Дяде Мише разрешили рисовать только после того, как нашли под его кроватью чемодан рисунков. Сказали: «Если ты, не испугавшись наказания, писал, может, у тебя и есть призвание». Большим художником он не стал, но писал, рисовал и был счастлив.»
Петр Кончаловский
«Автопортрет с женой» (1923)
Несмотря на то, что Густав Климт был баловнем судьбы и всегда имел заказы, которые щедро оплачивались, он столкнулся с критикой своего творчества.
Поскольку художник писал женщин, часто обнаженных, то он получил скандальную славу как автора картин, пропитанных неприкрытым эротизмом. Для зрителя конца 18 - начала 19 века такие произведения казались слишком откровенными. Все потому, что ценители искусства предпочитали более классические сюжеты.
Первые работы были оформительскими. Художнику нужно было оформить потолок актового зала Венского университета. Общество бурно приняло работы "Философия", "Медицина", "Юриспруденция". Все закончилось настоящим скандалом и требованием поместить автора в тюрьму за такие откровенные работы. После этого художник не брал госзаказы, но продолжил рисовать обнаженную натуру
Как отмечают критики, картины Климта не переходили тонкую грань, когда их можно назвать пошлыми и вульгарными. Возможно, именно поэтому автор и был так востребован. Представители европейского модерна считают Густава Климта основоположником данного направления. И в наши дни картины художника продаются просто за огромные суммы.
Густав Климт – Медицина
1900-07. 430х300. Фреска в венском университете (уничтожена)
Густав Климт – Постановка «Смерть Ромео и Джульетты»
в лондонском театре Глобус
1884-87
находится оригинал: Бургтеатр, Вена (Burgtheater, Wien).
Густав Климт – Идиллия
1884. 50х74
находится оригинал: Музей истории Вены, Карлсплатц, Вена (Wien Museum Karlsplatz, Museen der Stadt Wien, Wien).